SobreElMundoDelCine

No hace mucho os hablamos sobre el estreno de Las Crónicas de Narnia, el Príncipe Caspian. Hoy lo volvemos a traer a estas líneas para comentaros algunas de sus curiosidades:

• Los cuatro niños de la película tienen por apellido Pevensie. Sin embargo, en el libro original este nombre no aparece sino hasta el tercer volumen, el titulado “la travesía del viajero del alba“.
• Precisamente ese apellido lo tomó del nombre de un pueblo de Sussex, Pevensey, un lugar histórico donde había un fuerte romano con el que se protegía a Inglaterra de invasiones exteriores.
• C.S. Lewis, el escritor que dió vida a esta fantástica aventura, dedicó la novela a su nieta, Lucy Barfield… ¿os suena el nombre? pues sí, Lucy es el nombre de la primera niña que encontró el camino a Narnia.

• Otro de los protagonistas es Peter quien le debe el nombre a la mascota del escritor cuando era niño, un pequeño ratón al que le tenía puesto por nombre, Peter.
• Sin embargo, este pequeño ratón también tiene su reflejo en otro personaje del cuento, Reepicheep.
• Curiosamente hay en el mundo una ciudad que tuvo por nombre Narnia. Se trata de la ciudad italiana de Nequinium, a quien los romanos llamaban Narnia, pues cerca pasa el río Nar.
• Y también curiosamente hay otra idea similar a la del mundo en el armario que quizás le dió la idea a C.S. Lewis, y es que Nebit publicó “Había una vez un tren” en el que la protagonista encuentra una estación de tren en su propio armario.

• El primero que pudo leer el cuento de las Crónicas de Narnia, fue J.R.R. Tolkien, amigo de C.S. Lewis, a quien éste le pidió opinión. Tolkien, sin embargo, le dijo que no le gustó nada. Al final, fue otro amigo escritor suyo, Roger Green quien le animó a continuar.
• La idea de la Travesía del viajero del alba, la tercera parta de la saga, le surgió mientras escribía la historia de otra novela sobre un joven llamado Digory y que se titulaba el Sobrino del Mago. Sin embargo, abandonó durante un tiempo ambas, y se puso a escribir la historia del Príncipe Caspian.
• Por cierto, el título con el que presentó la novela a sus editores era “Arrastrados por Narnia“, pero fueron éstos los que decidieron ponerle el título con el que ha llegado al cine.
• En El príncipe Caspian hay cierta reminiscencia del Hamlet de Shakespeare, pues Caspian descubre que su tío Miraz ha usurpado el trono de Narnia tras haber matado a su hermano, el rey, que era el padre de Caspian.

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De Charles Chaplin se cuentan muchas anécdotas de cine muy particulares, no sólo por su particular humor sino también por su carácter y por la fama que le precedía allá donde iba.

Contaba David Niven que en cierta ocasión estaban haciendo un crucero por el Mediterráneo y les acompañaba además Douglas Fairbanks. La cena de la noche anterior había consistido en unos mejillones, pero desgraciadamente, al parecer no estaban en buen estado, por lo que al día siguiente Charlot comenzó a sentirse mal. Yendo por Grasse, un pequeño pueblecito pesquero de Francia, el mal estado general iba a peor, hasta que llegado un momento ya no pudo aguantar más y desesperado hizo saber a Fairbanks que necesitaba urgentemente un retrete donde aliviarse.

El problema es que el pobre Chaplin no sabía nada de francés, y para más inri, los pescadores franceses reconocieron a los dos geniales actores. Al poco tiempo tenían un corro alrededor que los coreaba, mientras Charlot no sabía cómo salir de aquel entuerto. De repente comenzaron a corearlos… ¡¡duglás, charlot! ¡charlot! ¡ charlot!

Finalmente, Chaplin, acudiendo a aquéllo que mejor sabía hacer, comenzó a hacer gestos para hacerse entender. Se puso una mano en el estómago mientras hacía como si tirara de la cadena. Pero para su desgracia, la gente comenzó a jalearlo pensando que asistía a una representación gratuita. “¡Bravooo! ¡bravooo!”, le gritaban.

Chapurreando, Fairbanks clamó: “le retrete pour Charlot“… en una tienda, un quesero lo acogió llevándolo a la parte de atrás donde había una pequeña construcción con un retrete dentro.

Lo que ocurrió después nadie ha podido confirmarlo realmente o si, cómo ha ocurrido otras veces, se ha engordado la historia. Lo cierto es que según dicen, de aquel habitáculo de madera no quedó nada. Prácticamente no le dejaron ni acabar. Las paredes de madera de aquel lugar comenzaron a caer ante las embestidas del populacho que quería ver a su héroe. Como buenamente pudo, consiguió escapar de la multitud, pero a sus espaldas, la gente se peleaba hasta por las bisagras de aquel sitio por la cual uno de ellos más tarde consiguió 53 francos. El asiento del lavabo también había desaparecido, y el pobre Charlot horrorizado tuvo que huir corriendo mientras le perseguían sus fans.

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El papel de Escarlata O’Hara en Lo que el viento se llevó ha sido de los más deseados y anecdóticos que ha dado la historia del cine. No sólo por el nuevo remake que de ella quienen hacer y que ha congregado a una legión de aspirantes a interpretarla nuevamente y suceder a Vivien Leigh, sino porque ya, en su primera versión en la famosa de 1939, hubo una auténtica “fiebre escarlata”.

Cuentan que las candidatas hicieron de todo por conseguir el papel que incluso llegaron a obligar al realizador, David O’Selznick, a tener que viajar en tren en el vagón del carbón. Y es que una de aquellas actrices novatas incluso llegó a perseguir al productor por todo el tren, hasta que éste, acosado terminó por esconderse en la carbonera.

En otra ocasión, un gran paquete con un mensaje “abrir al momento” fue enviado a su oficina. Cuando la secretaria lo abrió, salió de su interior una de las aspirantes, que corriendo antes de que la pillaran, y mientras se desnudaba camino a su oficina iba recitando los versos de Scarlett.

De la auténtica Scarlett, Vivien Leigh, se dice que su descubridor fue el hermano del productor, Myron O’Selznick. David estaba filmando la escena del incendio de Atlanta (fue lo que primero se rodó, antes incluso de tener a Escarlata), con unos decorados en llamas y tres pares de dobles de diferentes tamaños porque lógicamente aún no se sabía la estatura que tendría la verdadera Escarlata O’Hara. Cuando miró hacia aquella zona, vio, recortada contra las llamas la silueta de Vivien Leigh que había acudido junto a su amante, Laurence Olivier, al rodaje invitada por Myron O’Selznick.

Fue entonces cuando se pronunciaron dos frases célebres en el mundo del cine. La primera fue la descripción que de ella hizo Jesse Lasky que participaba en el rodaje:

“los ojos como ópalos de fuego por debajo de la alargada sombra de su sombrero negro“

La segunda fue la presentación que Myron hizo a su hermano David O’Selznick:

“Hola, genio, me gustaría presentarte a tu Escarlata O’Hara“

Y es que en aquel momento las tres grandes candidatas para hacerse con el papel eran Jean Arthur, Joan Bennett y sobre todo, Paulette Goddard. Finalmente, David quedó prendado de Vivien Leigh. Días más tarde le diría: “me parece que nos quedamos contigo”.

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Cierta vez que Louis B. Mayer viajó hasta Berlín, vio la película Gösta Berlings Saga, del año 1924 y dirigida por Mauritz Stiller, donde salía una jovencita de mirada misteriosa y cautivadora, por nombre Greta Gustaffson. Automáticamente, prendado de su talento, la invitó a Hollywood para trabajar en la MGM, siempre que adelgazara.

Se comenta que le llegó a decir “no nos gustan las gordas en nuestro país“. Así que al poco, Greta llegó a EE.UU. con su amante, el director Stiller. La primera frase que dijeron de ella en los estudios cuando la vieron fue: “es una campesina paleta“, pero aún así, aceptaron y le buscaron un nuevo nombre. Howard Dietz, el jefe de publicidad de la MGM, le buscó ese apodo por el que la conocería el mundo: Garbo, porque según él Garbo también quedaba paleto.

Ya en sus primeros paseos por los estudios, la actriz sueca sorprendió a todos por su personalidad. Había una higuera en los estudios sobre la que pendía una tradición. Se decía que si una fruta crecía dentro de los terrenos de un estudio, esa fruta no debía comerse. Ni corta ni perezosa, Greta Garbo se acercó hasta la higuera, tomó un higo… y se lo comió.

Su primer trabajo en USA sería Torrent (1926).

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Hasta que llegó su hora (1968), con Henry Fonda y Charles Bronson, es una de los más grandes western de la historia del cine. Una película que marcó un hito dentro de este género tan popular.

Su comienzo es de esos que se quedan en la retina de todo buen aficionado al western.

Una solitaria estación de tren. Tres pistoleros. Durante largos minutos, sólo se suceden las imagenes de estos tres asesinos, sin un ruido. Sólo silencio. Y en esos minutos, el único objetivo es esperar a que llegue Armónica, el protagonista del film, para matarlo. Cuando Armónica, el justiciero, baja del tren, se encara a los asesinos… bueno, no os cuento el resultado de esta escena, pero si algunas anécdotas de ella.

El director de aquella película fue Sergio Leone, quien en su película anterior había cosechado un enorme éxito con El bueno, el feo y el malo, con Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee van Cleef. Leone tuvo la genial idea de hacer un guiño a esa película en Hasta que llegó su hora, y para eso pidió a los tres protagonistas de su anterior película que interpretaran a esos tres asesinos para esa secuencia de unos minutos. A punto estuvo de salir  la broma, porque Wallach y van Cleef aceptaron, pero a última hora Eastwood se echó atrás.

Finalmente, uno de aquellos tres asesinos fue interpretado por Al Mulock. el fue el triste protagonista de aquella película. En uno de los descansos, Mulock se tiró desde la habitación de su hotel en Guadix, donde se estaba rodando, suicidándose, pero vestido con las ropas del personaje que había interpretado. Mancini, ayudante de producción y Sergio Leone fueron los primeros en llegar adonde yacía ya muerto el actor. Mancini decidió llevarlo en su propio coche al hospital, pero Leone que se quedó en el estudio grabando, antes de que Mancini se marchara le dijo: “quítele la ropa. La necesitamos para el rodaje“.

Y es que algunos genios, lo son en su trabajo, pero como personas…

Aquí os dejo la secuencia de Hasta que llegó su hora.

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La obra del artista suizo H.R. Giger siempre ha llamado poderosamente la atención para la industria fílmica. Su particular universo creativo de diseños extraños y fascinantes le han abierto las puertas para interesantes proyectos cinematográficos. Baste citar los planes de Alejandro Jodorowsky para que Giger, recomendado por el mismísimo Salvador Dalí, diseñara todo el universo de la película Dune que finalmente dirigiría David Lynch en 1984 y en donde el artista suizo ya no participaría. Pero más allá de esta tentativa no completada, los trabajos de H.R. Giger para la serie Alien- en especial en la primera entrega Alien(1979) dirigida por Ridley Scott, son los que le han ganado el reconocimiento permanente por parte tanto de conocedores de arte como fans de la saga. Cómo no impactarse aún con ese planeta dantesco, de metal, ácido y viento.

Sus ámbitos biomecánicos en donde lo orgánico se entrelaza y confunde con lo artificial; esas fortalezas de arquitecturas hostiles, surrealistas, cual si fuesen úteros de criaturas inverosímiles, pero al mismo tiempo tan aludibles hacia nuestra naturaleza profunda y enigmática. Y por supuesto los célebres alienígenas, tanto de este título como de la saga Species, que semejan demonios de un averno futurista, criaturas peligrosas de poder arquetípico e influjo onírico-atávico. El arte de H.R. Giger es como si el artista Francis Bacon, soñara con la Nueva Carne de David Cronenberg. Es una obra visionaria, perturbadora- siempre dotada de un erotismo enfermizo, hondo- y por lo demás genial.

Larga vida a este creador de infiernos, y pesadillas post industriales, llenas de oscura poesía y sortilegio (letal).

He aquí un breve tributo en video sobre este afamado creativo.

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Un reconocido actor del género fantástico, Tom Towles, siempre se ha caracterizado en sus papeles por personificar al lado oscuro de la conciencia humana. Encarnar no tanto al villano que movido por algún fin preciso que motive sus acciones nefandas se disponga a lograr ello acosta de lo que sea, no, Tom Towles, con su físico rotundo ,desgarbado, casposo, gusta de darle vida a esa pulsión que actúa en lo profundo, el lado oscuro de lo humano, allí donde la realidad pierde su nombre y todo sólo es entendible por medio de dominar o ser dominado, causar dolor o sufrirlo, escapar rastreramente para volver a lastimar o padecer uno mismo la vejación.

Tres roles memorables de Tom Towles:

1.-El teniente George Wydell en La Casa de los 10,000 Cuerpos (2002) de Rob Zombie, en la opera prima del célebre músico-rockero Rob Zombie, Towles nos ofrece un papel-guiño que se convierte en una delicia para los fanáticos del género. En esta historia homenaje- tal vez no confesado- a la gran La Matanza de Texas (1974), Rob Zombie nos relata los horrores gore provocados por un grupo de psicópatas ultra freaks, guiados por un payaso asesino y bizarro, en una zona rural norteamericana; cuando Tom Towles aparece en pantalla ya sabemos que algo ruidoso y visceral (literalmente) se avecina, aunque aquí está caracterizado como el representante de la ley, un policía malencarado y violento que se enfrenta a los dementes asesinos, muy en la línea del dinamita Dennis Hopper en La Matanza de Texas 2 (1986), un (anti)héroe que parece tan loco como los monstruos que trata de combatir. Breve trabajo pero muy sangriento y divertido.

2.- Harry Cooper en el entrañable remake del clásico de Romero, La Noche de los Muertos Vivientes (1990). Dirigida por el artista de los FX, el fangoriano Tom Savini, Towles da vida aquí al cobarde y malintencionado padre de familia que se refugia con su esposa e hija, huyendo de la plaga de zombies asesinos, en una casa rural. Allí encuentran a otros sobrevivientes, entre ellos al “candyman” Tony Todd, el héroe improvisado Ben, y a la hermosa y sorprendente Barbara (Patricia Tallman), entre otros aterrados ciudadanos. Agobiados por las violentas acechanzas de los muertos vivientes, Towles y Todd, se enfrentarán a lo largo de gran parte de la cinta por ver quien asume el control de la desesperada defensa. Este burgués ruin, despiadado, astuto y traicionero, recibirá al final su merecido, luego de una noche de pesadilla, en la que en medio de un festín gore de desmembramientos, disparos a quemarropa y mordiscos letales, cortesía del especialista Savini, nos habremos percatado que a veces los monstruos más aterrorizantes están al lado de nosotros cruzando la calle, o en la casa de junto, o en nuestra imagen en el espejo.

3.- Otis, el bestial compinche de Michael Rooker en Henry: Retrato de un Asesino (1986) de John Mc Naughton. Aquí Towles se luce en un duelo de actuación con el eficaz Rooker, en ver quién es capaz de darle más mala saña a su personaje, y a pesar del título de la cinta, parece que Otis es el vencedor en esta singular y aciaga contienda. Pocas películas tan crudas y distanciadas de su contenido perturbador, cruel y violento como esta fría e impecable realización, y allí mismo pocos personajes tan abominables, depresivos, y animalescos como este brutal Otis, que acompaña a Henry en sus fechorías y al final se enfrentan a muerte, como dos perros salvajes, al querer disputarse el “amor” de la hermana de Otis, en una de las secuencias más duras y sórdidas jamás filmadas. Towles logra aquí un perturbador desarrollo histriónico, en donde quizá nos exprese, que la ruta para la perdición es más corta y atrayente que la que lleva al cielo, aunque al final ambas se parecen y parecen conducir a nada. Y que ese extraño que se oculta en lo límbico de cada uno de todos, bien lo sabe, escucha y espera.

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Los millones de celebrantes de la monumental obra fílmica, la Trilogía del Señor de los Anillos (2001-2003) probablemente poco conozcan de los singulares inicios de la mente encargada de la hazaña de plasmarla en pantalla, Peter Jackson. Y sin embargo es alumbrador comprender la muy probable intuición que animó cintas de tan bajo presupuesto como Mal Gusto (1987) o Meet the Feebles (1989), en donde el joven cineasta neozelandés dio muestras de conocer y amar cada especificidad determinada del género fantástico, para obsequiar a sus espectadores con una miríada de divertidos e irreverentes guiños cinéfilos.

Pero aunado a esto Jackson expone aquí en sus primeros pasos, algo que lo destacaría con respecto a otros buenos cineastas de Serie B (por ejemplo Yuzna, Craven o Stuart Gordon), y que lo catapultarán posteriormente a las alturas. Este determinante quizás pueda explicarse como la capacidad de Peter Jackson para jugar con los sentidos de una estructura de discursos precisa en este caso, la del cine gore. Porque el primer Jackson procede con una suerte de anarquismo cinematográfico, emuladora del anarquismo epistemológico del inolvidable filósofo Paul Feyerabend, aquel del célebre “Todo vale”, es decir, cualquier discurso tiene el derecho de ser tomado en cuenta si cumple con su función para determinados propósitos; así sea la propuesta más extravagante, tiene su propia valía en nuestro mundo de naturaleza verbal y dialogada. Así igual Jackson, en su obra más importante de esta etapa, la grandiosa Braindead(1992) en donde se ocupa en dinamitar los parámetros establecidos del cine gore (incluso varios instaurados por valientes como Cronenberg, Yuzna o el mismo Sam Raimi). Para esto Jackson tergiversa la narrativa visual con todo el “mal gusto” posible -no (sólo) en sentido soez, sino en cualquiera que sea dado a expresarse. Si en la delirante Meet the Feebles la ironía era el dispositivo para lograr la ruptura de lecturas deseada, en Braindead es más bien el exceso, la sobreabundancia de imágenes, una saturación enervafascinante que toma por sorpresa al espectador y ya nunca lo suelta. De pronto al visualizar esta cinta hipersangrienta uno se pregunta si acaso le están hablando en serio, o si la seriedad de lo real allende las luces encendidas, no será más bien sino una colosal tomadura de pelo. En este sentido sinsentido el joven Jackson triunfa: en mostrarnos que todo vale en pantalla, porque Todo es posible, en cuanto la posibilidad no está ausente en Nada. Esta expresividad jubilosa sin freno, será traspasada luego al interior de unos seres atormentados por su propia libertad de saberse contingentes en la cinta Heavenly Creatures (1994) con la guapa y grande Kate Winslet. De aquí se dará el despegue definitivo de Peter Jackson a la celebridad, desde las simas narradas en esta cinta a las cimas de la Tierra Media, por impulso sólo de una intuición genial y arriesgada, aventurera y victoriosa.

Escena de Braindead:

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Hoy queremos iniciar en Sobre el Mundo del Cine una nueva sección que estará dedicada a anécdotas de cine, curiosidades de todo tipo, cómicas muchas de ellas, otras dramáticas, pero esperamos que siempre os sean entretenidas.

Alas, de William Wellman, fue la primera película ganadora de un Oscar. Su director, Wellman, era famoso por sus costumbres extrañas y su caracter agrio: un “duro y pequeño cabrón” como lo definió en una ocasión James Mason, pero no por eso pudo librarse de algunas curiosidades y anécdotas dignas de ser contadas.

Precisamente en Alas estaba rodando una escena sobre la batalla de Saint Michel, de la Primera Guerra Mundial. Para recrear aquella batalla, minaron un enorme campo en las afueras de San Antonio. La señal para empezar a grabar y rodar sería cuando se levantara una bandera roja desde la torreta especialmente creada para grabar toda la secuencia en alto, en la que él se encontraba ocn todo su equipo.

Fueron montones de metros de explosivos preparados para estallar a la señal. Habían dos mil extras vestidos de soldados norteamericanos y alemanes, dispuestos a disparar los rifles en cuanto estallara el primer explosivo. Desde un campo de aviación cercano despegarían con esa primera explosión cincuenta aviones del ejército. Mientras, en la torreta, las cámaras, que aún no estaban listas, se estaban preparando…

Al rodaje de la escena fueron invitados varios mandatarios importantes con sus familias que se instalaron en aquella misma torreta. De repente una niña de uno de los mandatarios vio a una amiga al otro extremo. “Hola, Mildred, estoy aquiiiii“, gritó la niña, sacándose un pañuelo rojo de su pequeño bolsillo y agitándolo para saludarla…

Ya nada pudo parar aquella batalla ficticia de Saint Michel….

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